czwartek, 25 czerwca 2020

25.06 Scena historyczna.



Jan Matejko, „Bitwa pod Racławicami”, 1888, Muzem Narodowe w Krakowie.


Sceną historyczną nazywamy przedstawienie na obrazie wydarzenia z dziejów jakiegoś narodu lub wydarzenia o ważnym znaczeniu dla kraju.

Tematem tego rodzaju malarstwa są wydarzenia związane z dziejami państw, narodów i wybitnych osób, a także wydarzenia współczesne. Historia Polski została zapisana przez malarzy w ich obrazach. Do najwybitniejszych przedstawicieli polskiego malarstwa historycznego należeli: Jan Matejko, Juliusz Kossak, Wojciech Kossak, Jerzy Kossak oraz Józef Brandt.


Malarstwo o tematyce historycznej, chociaż istniało od stuleci w każdym rozwiniętym kręgu kulturowym, szczególnie chętnie podejmowane było w XIX wieku. Do jego rozkwitu w Polsce bez wątpienia przyczynił się artysta Jan Matejko. W czasach, gdy we Francji zafascynowani światłem i kolorem impresjoniści mieli buntować się przeciwko akademizmowi, tworząc podwaliny sztuki nowoczesnej, w Polsce kwitł romantyzm.



Jan Matejko, „Autoportret”, 1892, Muzeum Narodowe w Warszawie.


Jan Matejko pochodził z rodziny polsko‑czeskiej, całe życie pozostał jednak patriotą polskim, który wspierał walki swojego narodu o niepodległość. Już w wieku trzynastu lat rozpoczął naukę w krakowskiej Szkole Sztuk Pięknych. Z malarstwem historycznym zetknął się przebywając na stypendium w Monachium i to prawdopodobnie tam zadecydował, że poświęci mu swoją twórczość. Wielu historyków zarzuca Matejce, że przekłamywał fakty historyczne, malując osoby, których w danym miejscu, czasie i podczas wybranej sceny historycznej, nie miało prawa być. Dotyczy to np. postaci Hugona Kołłątaja w obrazie Bitwa pod Racławicami. Zamierzeniem artysty nie było wyłącznie przedstawianie faktów historycznych, ale także skłanianie do refleksji nad losami Polski, a pozornie błędne osadzenie postaci miało zachęcać do dyskusji.



Malarstwo historyczne odnosi się również do ważnych wydarzeń. Do najważniejszych tego rodzaju obrazów należą dzieła Jana Matejki, np. Stańczyk, Hołd pruski, Rejtan – Upadek Polski czy Konstytucja 3 Maja 1791 roku.



Jan Matejko, „Stańczyk”, 1862, Muzeum Narodowe w Warszawie.


Obraz olejny Stańczyk ukazuje nadwornego błazna z dworu króla Zygmunta Starego, który siedzi zrezygnowany po odczytaniu listu obwieszczającego utratę twierdzy Smoleńsk. W tamtych czasach Smoleńsk był fortecą, która strzegła wschodnich granic księstwa polsko‑litewskiego, a wraz z jej upadkiem Rosjanie przejęli część ziem polskich. Winą za utratę niepodległości Jan Matejko obarcza władców dawnej Polski, którzy rządzili w sposób nieumiejętny i niegospodarny. Stańczyk, przewidując rozwój wydarzeń historycznych, pozostał bezsilny wobec lekkomyślności władców, oddających się przyjemnościom, a nie polityce. Jego zrezygnowanie i smutek odczytujemy z zamyślonej twarzy oraz rozłożonych w geście bezradności rąk. W tle obrazu obserwujemy beztrosko tańczące pary, a za oknem z lewej strony obrazu - wieżę i kometę, symbol zwiastujący zniszczenie Polski.




Jan Matejko, „Hołd Pruski” 1879-1882, Muzeum Narodowe w Krakowie.


Obraz olejny Jana Matejki o imponujących rozmiarach, ok. 4x8 metra, przedstawia scenę oddania hołdu przez mistrza zakonu krzyżackiego ówczesnemu królowi Polski – Zygmuntowi I Staremu. Hołd pruski był wydarzeniem, które podkreślało wielkość Polski oraz jej zwycięstwo nad Krzyżakami i jest uznawane za ważny punkt w historii. W centrum obrazu Matejko umiejscowił siedzącą w złotej szacie postać króla i klęczącą przed nim w geście uniżonego poddaństwa sylwetkę Albrechta Hohenzollerna. Zygmunt August, dziedzic tronu polskiego, namalowany został jako 5‑letni chłopczyk w czerwonej sukience.



Jan Matejko, „Rejtan – Upadek Polski”, 1866, Zamek Królewski w Warszawie.


Rejtan – Upadek Polski przedstawia protest posła Tadeusza Reytana przeciwko I rozbiorowi Polski. Wydarzenie to miało miejsce 21 kwietnia 1773 roku, w trzecim, decydującym dniu obrad Sejmu Rozbiorowego na zamku w Warszawie. Obraz namalowany techniką olejną na płótnie.



Jan Matejko, „Konstytucja 3 Maja 1791 roku”, 1891, Zamek Królewski w Warszawie.


Konstytucja 3 Maja 1791 roku przedstawia pochód posłów przez ulice Warszawy zmierzających do kolegiaty św. Jana w celu zaprzysiężenia tekstu konstytucji. Centralną postacią obrazu jest marszałek Sejmu Wielkiego Stanisław Małachowski. Po schodach kościoła wchodzi król Stanisław August Poniatowski. Obraz namalowany jest techniką olejną na płótnie.



W II połowie XIX wieku tematyka historyczna zyskała szczególną popularność wśród narodów nieposiadających własnego państwa – pomiędzy nimi znajdowali się również Polacy. Tego typu malarstwo miało podtrzymać nadzieje na odzyskanie niepodległości i ducha walki, a także pobudzić tożsamość kulturową narodu w dobie zaborów. Gatunkiem malarstwa historycznego jest batalistyka, czyli obrazy o tematyce bitewnej, przedstawiającej walki.



Jan Matejko, „Bitwa pod Grunwaldem”, 1875-1878, Muzeum Narodowe w Warszawie.


Malowany ponad 3 lata najsłynniejszy obraz polskiego artysty mierzy ok. 4x10 metrów. Przedstawia symbolicznie bitwę pod Grunwaldem z 1410 roku, stoczoną pomiędzy siłami polsko‑litewskimi, a zakonem krzyżackim w momencie, kiedy szala zwycięstwa przechyla się na stronę Władysława Jagiełły. Ogromnych rozmiarów płótno wypełnione jest wielością postaci historycznych i bogatą symboliką. Zwróć uwagę na sposób przedstawiania postaci na pracach Jana Matejki – cechuje go pewna teatralność, dynamika, spiętrzona kompozycja. Na pierwszy rzut oka widzimy jedynie wielość splątanych, kotłujących się ciał. Artysta celowo zastosował ten zabieg. Chciał, żeby widz stopniowo odczytywał przedstawione sylwetki postaci historycznych i kolejne elementy symbolicznej układanki obrazu.



Zobacz obrazy innych polskich artystów przedstawiające sceny batalistyczne.




Jerzy Kossak, „Cud nad Wisłą”, 1930, Muzeum Diecezjalne w Toruniu.


Obraz Jerzego Kossaka Cud nad Wisłą przedstawia Bitwę Warszawską stoczoną w 1920 roku w czasie wojny polsko‑bolszewickiej. Zwycięstwo Polaków zdecydowało o zachowaniu niepodległości przez nasz kraj. Obraz jest otwartą, dynamiczną, wieloplanową kompozycją batalistyczną. Jedną z historycznych postaci ukazanych na obrazie jest dowódca wojsk polskich marszałek Józef Piłsudski.



Piotr Michałowski, „Szarża w wąwozie Somosierra”,1837, Muzeum Narodowe, Kraków.


Obraz przedstawia szarżę polskich wojsk w hiszpańskiej miejscowości Somosierra w 1808 roku. Przedstawia niezwykłą ekspresję, uchwycenie ruchu i grę światła. Płótno ukazuje odwagę, zaciekłość walki i poświęcenie oddziału Polaków.



January Suchodolski, „Bitwa pod Samosierrą”, 1860, Muzeum Narodowe w Warszawie.

Bitwa pod Somosierrą – trwająca osiem do dziesięciu minut szarża trzeciego szwadronu 1. Pułku Szwoleżerów Gwardii Cesarskiej, przeprowadzona 30 listopada 1808 rano (około godziny 10.30) na przełęcz Somosierra w Hiszpanii na wysokości 1444 metrów n.p.m., przy 200-metrowej różnicy poziomów. Zakończyła się zdobyciem wąwozu przez polskich szwoleżerów i sukcesem armii napoleońskiej. Bitwa ta otworzyła Napoleonowi drogę na Madryt i pozwoliła kontynuować kampanię hiszpańską.




środa, 3 czerwca 2020

4.06 Scena rodzajowa.


Scena rodzajowa


Obraz przedstawiający codzienne życie ludzi, ich pracę, sposoby spędzania wolnego czasu, regionalne zwyczaje obrzędy lub wydarzenia z życia towarzyskiego nazywamy sceną rodzajową. Temat ten spotykamy głównie w malarstwie, rysunku i grafice. Pierwsze tego typu sceny pojawiły się już w starożytności. Temat jest wciąż aktualny, również współcześni artyści poruszają go w swoich pracach.




Obraz Pietera Bruegla Starszego przedstawia alegoryczną scenę walki karnawału z postem. Można to dzieło odczytywać również jako wierny zapis tego, co działo się w czasie karnawału na placu nowożytnego miasta.



Pieter Bruegel Starszy, „Walka karnawału z postem”, olej na desce, 1559, Muzeum Historii Sztuki w Wiedniu, Austria.




W innym dziele Pieter Bruegel Starszy ukazał rozległy pejzaż, a na nim zwykłych ludzi: rolników, pasterzy owiec, rybaków, żeglarzy. W tle tej scenerii rozegrał się dramat – do morza spadł i zginął po nieudanym locie w przestworzach mitologiczny Ikar. W tym wypadku sceny rodzajowe służyły artyście do ukazania pewnej ponadczasowej prawdy na temat losu ludzkiego, obojętności świata wobec jednostkowego nieszczęścia.




Pieter Bruegel Starszy, „Upadek Ikara”, ok. 1555, Musées Royaux des Beaux-Arts, Bruksela, Belgia.



Władcy i ludzie zamożni od dawien dawna tworzyli prywatne galerie sztuki. David Teniers Młodszy namalował wnętrze jednej z nich. Artysta uchwycił w swoim dziele moment, kiedy do sali wszedł fundator zbiorów arcyksiążę Leopold William. Artysta sportretował też siebie jako mężczyznę stojącego przy stoliku i trzymającego w ręku papiery. W prezentowanej kolekcji widać wiele obrazów o różnej tematyce. Są tam portrety, dzieła ze scenami religijnymi, mitologicznymi.



David Teniers Młodszy, Arcyksiążę Leopold William w swojej galerii malarstwa w Brukseli, ok. 1647-1651, olej na blasze, Museo del Prado, Madryt, Hiszpania.



Ważnym aspektem malarstwa rodzajowego były sceny ukazujące ludzi w ich najbliższym otoczeniu, w ich domach, w trakcie codziennej krzątaniny. Dobrym tego przykładem są prezentowane niżej obrazy autorstwa Jana Vermeera van Delfta oraz Pietera de Hoocha.




Jan Vermeer van Delft, „Mleczarka”, ok. 1660, olej na płótnie, Rijksmuseum, Amsterdam, Holandia.



Pieter de Hooch, „Kobieta z dzieckiem w spiżarni”, ok. 1658, olej na płótnie, Rijksmuseum, Amsterdam, Holandia.



Pieter de Hooch, „Podwórze domu w Delft”, 1658, olej na płótnie, National Gallery, Londyn, Wielka Brytania.



W XVII‑wiecznej Holandii bardzo popularne były również portrety zbiorowe. W ten sposób portretowano włodarzy miejskich, przedstawicieli cechów rzemieślniczych, weteranów wojennych. Nie brakowało też portretów rodzinnych.  Dobrze pokazują to dwie poniższe reprodukcje. Pierwszy obraz jest bardziej stonowany i oficjalny, drugi zdecydowanie bardziej swobodny.



Pieter de Hooch, „Rodzina holenderska”, ok. 1662 , olej na płótnie, Akademie der bildenden Künste Wien, Wiedeń.




Jan Steen, „Wesoła rodzina”, 1668, olej na płótnie, Rijksmuseum, Amsterdam, Holandia.



Portret, który przedstawia zwykle anonimowe osoby, bez upiększeń i idealizacji, podczas wykonywania zwykłych czynności, nazywamy portretem rodzajowym. Portret ukazany niżej przedstawia rzemieślnika, krawca, zajętego swoją pracą.




Giovanni Battista Moroni, „Krawiec”, między 1565-1570, olej na płótnie, National Gallery, Londyn, Wielka Brytania.






Czasami malarze scen rodzajowych rozszerzali swoją perspektywę oglądu rzeczywistości. Wtedy ukazywali codzienne życie ludzi na tle wiejskiego lub miejskiego pejzażu. Poniżej ukazano przykład tego rodzaju dzieła. 



Jan Vermeer van Delft, “Widok Delft”, 1660-1661, olej na płótnie, Mauritshuis Haga, Holandia.



Również współcześni artyści sięgają po tematykę rodzajową. Opisując otaczającą ich rzeczywistość, posiłkują się różnymi dziedzinami sztuki i używają rozmaitych technik plastycznych. Każdy z twórców interpretuje codzienność we właściwy dla siebie sposób.
Poniższe obrazy to przedstawienia malarskie amerykańskich delikatesów, a także proste sceny z życia ludzi współczesnych.




Max Ferguson  - Delikatesy Katzs'a - 1993. Malarstwo olejne.


Max Ferguson  - Mój ojciec w Katz's  - 2005. Malarstwo olejne.



Max Ferguson  - Popcorn - 2015. Malarstwo olejne.



Max Ferguson  - Late in the day - 2009. Malarstwo olejne.




Max Ferguson  - Księgarnia Strand - 2010. Malarstwo olejne.

















czwartek, 28 maja 2020

28.05. Kolorowy kolaż.




Przygotuj kolorowe papiery, linijkę, ołówek, klej w sztyfcie i nożyczki.




Wybierz kilka kolorowych kartek i potnij je na cienkie paski wzdłuż węższej krawędzi. Jeśli chcesz by paski były równe użyj linijki. Moje miały 1 cm szerokości. Możesz pociąć paski różnej szerokości, ważne by nie były zbyt szerokie.







Na jasnej kartce przyklej kolorowe paski jeden pod drugim. Stwórz swój własny wzór.







Odwróć kartkę i naszkicuj płatki kwiatów, listki i łodygi, a następnie je wytnij.







Wymyśl własną, kwiatową kompozycję i przyklej wszystkie elementy klejem w sztyfcie.




Dodaj elementy dekoracyjne.



Praca gotowa :-)

Zadanie domowe jest dla chętnych. :-)




czwartek, 21 maja 2020

21.05 Martwa natura.



Paul Cezanne - Martwa natura z butelką i koszem jabłek - 1894.

Martwa natura to przedstawienie na obrazie układu przedmiotów lub innego rodzaju nieruchomych obiektów. Mogą to być rośliny doniczkowe, kwiaty cięte, owoce, książki, misy, dzbany, kielichy, talerze, czyli wszystko to, co malarz będzie chciał uwiecznić na płótnie lub papierze. Artyści malują martwe natury z różnych powodów. Ten temat daje twórcy możliwość ułożenia ciekawej kompozycji, interesujących zestawień kolorystycznych, artysta może studiować proporcje oraz układy światła i cienia na przedmiotach. Niekiedy ukazane przedmioty zawierają także dodatkowe przesłanie metaforyczne lub symboliczne.



Słowa nature morte (czyt. natiir mor) pochodzą z języka francuskiego, znaczą - martwa natura i służą określaniu właśnie tego tematu w sztuce. W języku angielskim takie kompozycje przedstawiające układy przedmiotów nazywane są  - still life (czyt. stil laif), czyli ciche, spokojne życie.
Ten temat możemy podziwiać głównie w dziełach malarstwa, chociaż w sztuce współczesnej artyści realizują go także w przestrzeni.


Przedstawienia przedmiotów codziennego użytku znane były już w starożytnej Grecji i Rzymie: wykonywano je w postaci malowideł ściennych, mozaik i obrazów tablicowych. Niestety, martwe natury z czasów starożytnej Grecji nie zostały zachowane.


Rzymskie malowidło ścienne (fresk).
Autor nieznany. „Martwa natura z ze szklaną misą i wazami” - 63-79. Naples National Archaeological Museum, Neapol, Włochy.



Zarówno w sztuce starożytnego Rzymu, jak i w średniowieczu, motyw martwej natury występował jako część większego dzieła lub element dekoracyjny. Samodzielnym tematem w malarstwie martwa natura stała się dopiero w XVI wieku w okresie wzmożonego zainteresowania twórców człowiekiem i naturą. Jednym z pierwszych samodzielnych przedstawień martwej natury w nowożytnym malarstwie było dzieło włoskiego malarza i rysownika, Jacopo de’ Barbariego. Kompozycja przedstawiała upolowaną kuropatwę, rycerskie rękawice i strzałę, które wisiały na ścianie.




Jacopo de’ Barbari -  „Martwa natura z kuropatwą i żelaznymi rękawicami” - 1504. Alte Pinakothek, w Monachium.




Niebanalne zestawienia martwej natury tworzył Giuseppe Arcimboldo (1527 -1593). Jako przedstawiciel manieryzmu łączył wirtuozerię malarską z ukazywaniem tego co nienaturalne, sztuczne, a nawet dziwaczne. Zaskakujące aranżacje poszczególnych elementów tworzyły niecodzienne kompozycje będące metaforycznymi portretami. Arcimboldo tworzył obrazy, które z oddalenia wydają się przedstawiać popiersia postaci , zaś z bliska okazują się niczym innym jak nagromadzeniem owoców, kwiatów czy ryb.



Giuseppe Arcimboldo - Wiosna - 1573 - Luwr, Paryż.



Giuseppe Arcimboldo - Lato - 1563. Muzeum Historii Sztuki w Wiedniu, Austria.




Od XVII w. martwa natura stanowiła odrębny gatunek malarski. W tej dziedzinie przodowali Holendrzy i Flamandowie.

Celem malarzy w XVII w. było stworzenie takiego przedstawienia martwej natury, które byłoby nie tylko „ucztą dla oka” (czyli cieszyło widzów swoim pięknem), ale także pobudzało apetyt biesiadników. W malarstwie holenderskim popularne były ontbijtjes – obrazy ukazujące śniadania. 



Floris van Dijck - Martwa natura - 1613



Sebastian Stosskopff - Misa z truskawkami - ok. 1620 -  Musée de l’Œuvre Notre-Dame, Sztrasburg, Francja,



Zobacz inne przykłady martwych natur.



Lubin Baugin - Pięć zmysłów - poł. XVII w. Luwr, Paryż, Francja.



Bonaventura Bettera - Martwa natura z instrumentami muzycznymi - ok. 1690.



Wilem Claesz Heda - Martwa natura ze złotym pucharem -  1635.



Willem van Aelst - Srebrna waza z kwiatami - 1663.



Jan Brueghel Starszy - Kwiaty w drewnianym naczyniu - 1606-1607.





Zadanie domowe dla chętnych.




Giuseppe Arcimboldo - Ortolano (inaczej Ogrodnik, zwany również obrazem odwracalnym w miską warzyw) - ok.1590. Museo Civico. Cremona.



Giuseppe Arcimboldo - Ortolano (inaczej Ogrodnik, zwany również obrazem odwracalnym w miską warzyw) - ok.1590. Museo Civico. Cremona.



Giuseppe Arcimboldo - Kosz z owocami - 1590. French & Company, Nowy Jork.



Giuseppe Arcimboldo - Kosz z owocami - 1590. French & Company, Nowy Jork.




Ułóż martwą naturę z owoców i warzyw lub innych przedmiotów codziennego użytku i stwórz z nich kompozycję przypominającą portret.  Zadbaj o estetykę pracy i tło.

Wykonaj zdjęcie swojej martwej natury i prześlij na elementarzpracownia@gmail.com